Ci sono artisti che si limitano a disegnare storie, e poi ci sono quelli che le respirano da sempre, come se fossero parte del loro stesso DNA. Mike Deodato Jr. appartiene senza esitazioni a questa seconda categoria: la sua carriera non è soltanto il risultato di talento e disciplina, ma il riflesso di un legame viscerale con il fumetto, coltivato fin dall’infanzia e trasformato, nel tempo, in una voce autoriale riconoscibile in tutto il mondo.
Perché prima ancora delle tavole spettacolari, delle anatomie scolpite nella luce e nell’ombra, prima ancora delle sue iconiche interpretazioni di personaggi come Wonder Woman o Batman, c’è una storia più intima, che affonda le radici in un Brasile lontano dai riflettori dell’industria americana. Una storia fatta di carta, inchiostro e sogni tramandati di padre in figlio, dove il confine tra vita e fumetto si dissolve fino a diventare indistinguibile.
È da lì che nasce il percorso di Mike Deodato Jr., da un’eredità artistica che non è mai stata solo ispirazione, ma presenza costante, quotidiana, concreta. Un apprendistato silenzioso, vissuto tra tavoli da disegno e sacrifici, che lo ha portato a costruire, passo dopo passo, uno stile capace di dialogare con il linguaggio del cinema, della fotografia e della narrazione contemporanea.
Nel corso degli anni, il suo nome è diventato sinonimo di potenza visiva e ricerca espressiva, ma anche di confronto con le trasformazioni – e le tensioni – dell’industria contemporanea. Non sono mancate, infatti, discussioni e polemiche, come quelle legate ad alcune accuse sull’utilizzo dell’intelligenza artificiale nelle sue tavole, un tema che ha acceso il dibattito tra artisti e appassionati, inserendolo in una conversazione più ampia sul futuro del fumetto e degli strumenti creativi.
In questa intervista esclusiva, Mike Deodato Jr. ripercorre le tappe di una carriera che lo ha visto attraversare epoche e trasformazioni del medium, dai primi lavori in Brasile fino alla consacrazione internazionale con Marvel e DC Comics. Un viaggio fatto di intuizioni, crisi, rinascite e scelte coraggiose, che restituisce il ritratto di un autore ancora in continua evoluzione.
Perché, come spesso accade con i grandi narratori visivi, il punto non è mai soltanto da dove si parte, ma il modo in cui si continua a reinventare il proprio sguardo. E quello di Mike Deodato Jr., oggi più che mai, resta profondamente umano e orientato verso il futuro.
Ciao Mike, benvenuto sulle pagine di MegaNerd. È un vero piacere averti con noi. Considerando il tuo profondo legame con il mondo dei supereroi, iniziamo dalla tua vera “origin story”: ricordi il momento esatto in cui si è accesa la scintilla che ti ha fatto innamorare dei fumetti?
Onestamente, non so se ci sia stato un singolo momento decisivo: i fumetti sono sempre stati lì. Mio padre collezionava fumetti e sognava di vivere grazie a questo mestiere. Nel 1963, l’anno in cui sono nato, pubblicò uno dei primi comic book nella mia regione del Brasile. In un certo senso, io e i fumetti siamo venuti al mondo insieme.
Non è mai riuscito a vivere esclusivamente di fumetti in Brasile, ma non ha mai smesso di provarci. Sono cresciuto osservandolo creare, pubblicare e promuovere le sue opere con passione e determinazione. Quel sogno è diventato parte dell’aria che respiravo. Quando ho iniziato a mostrare interesse per il disegno, non si è limitato a incoraggiarmi: mi ha aiutato concretamente ad autopubblicare i miei primi lavori. Abbiamo collaborato per quasi dieci anni.
Non è stata una scintilla improvvisa. È stata un’immersione costante, durata tutta la vita. I fumetti erano ovunque intorno a me, e lavorare al fianco di mio padre li ha resi inseparabili da ciò che sono.
Tuo padre, dunque, è stata una delle tue prime e più importanti fonti di ispirazione. Che ruolo ha avuto nel plasmare questa passione e quanto ha influenzato il percorso che ti ha portato a una carriera così straordinaria?
Mio padre — “Painho”, come lo chiamavo affettuosamente — è stato tutto nella mia formazione artistica. Mi ha insegnato a leggere fumetti, ad amarli, a rispettarli. Ha condiviso con me il suo sogno e mi ha trattato non solo come un figlio, ma come un partner creativo.
Mi ha insegnato a costruire una tavola, a pensare alla narrazione, a capire cosa funziona e cosa no. Mi ha guidato attraverso il meglio e il peggio del medium. È stato il mio insegnante, il mio mentore, il mio collaboratore, il mio amico, ed era anche il mio eroe.
Senza di lui, non esisterebbe la mia carriera. La sua influenza non è stata semplicemente importante: è stata fondativa.
Guardando alla tua carriera nel suo insieme, è evidente che il tuo stile abbia attraversato un’evoluzione significativa. Quali sono stati i momenti chiave di questo percorso? Quanto hanno influito il linguaggio visivo del cinema e della fotografia?
La mia evoluzione non è mai stata lineare: è stata una serie di scoperte. Col senno di poi, la vedo come una crescita attraverso la sperimentazione. Ho attraversato diverse fasi, diversi linguaggi visivi, e ciascuno rappresentava il punto in cui mi trovavo emotivamente e artisticamente in quel momento.
Le mie fondamenta arrivano da maestri come Neal Adams, Bernie Wrightson e Will Eisner. Il loro storytelling, l’anatomia, l’uso delle ombre mi hanno plasmato profondamente. Con il tempo ho assorbito molte altre influenze, consapevolmente e inconsciamente. Oggi posso dire di avere uno stile personale, ma è costruito su anni di studio e interiorizzazione del lavoro dei maestri.
Il cinema ha avuto un’influenza enorme. Io penso come un regista. Scompongo una tavola come un filmmaker scompone una scena: angolazioni di macchina, illuminazione, ritmo, battute emotive. “Monto” visivamente le sequenze prima ancora di disegnarle. Il linguaggio cinematografico non è solo un’influenza: è parte del mio modo di pensare.
Nel corso degli anni alcuni tuoi personaggi hanno presentato tratti somatici ispirati ad attori riconoscibili. Come sono stati accolti questi “omaggi” in Marvel?
Nella maggior parte dei casi, molto bene. Raramente ho incontrato censure o resistenze. È diventato parte del mio linguaggio visivo: un modo per ancorare personaggi larger-than-life a una dimensione più realistica, citando sottilmente attori che ammiravo.
Occasionalmente mi è stato chiesto di modificare qualcosa, ma mai in modo negativo. Era considerato un tocco stilistico. Per me si trattava di aggiungere texture e familiarità a figure iconiche.
Il progetto che probabilmente ti ha dato visibilità internazionale è stato Wonder Woman. Che ricordi hai di quel periodo?
È stato un periodo di pura eccitazione. Venivo finalmente pubblicato negli Stati Uniti, lavorando per una casa editrice leggendaria come DC Comics su uno dei personaggi più iconici di sempre, Wonder Woman. Sentivo la responsabilità, certo, ma mi sentivo anche pronto. Sapevo di poter portare qualcosa di potente a Diana. Ho messo energia, fame, intensità. Volevo lasciare il segno.
Ho sempre creduto nella mia capacità di fare la differenza nei fumetti. In quel momento volevo dimostrare di appartenere a quel livello e imprimere la mia impronta sul personaggio. Credo di esserci riuscito.
È vero che dopo aver lasciato Wonder Woman hai scelto di non leggere più storie con il personaggio?
È vero. Mi ero legato emotivamente a quel ciclo in modo così profondo che non riuscivo a leggere ciò che veniva dopo. Era quasi una forma di gelosia: volevo preservare quel periodo esattamente come lo ricordavo. Molti grandi autori hanno fatto lavori straordinari su di lei, ma quel capitolo era profondamente personale. Ho preferito lasciarlo intatto.
Tra i personaggi DC, con chi ti sei sentito più in sintonia artisticamente?
Batman. Il suo mondo è fatto di ombre, atmosfera, peso psicologico — elementi che si allineano perfettamente al mio stile. Le mie influenze si traducono naturalmente nell’atmosfera di Gotham.
All’epoca ero ancora in fase di sviluppo. Oggi credo che potrei portare al personaggio un livello diverso di maturità e profondità, sento che tra me e Batman c’è ancora qualcosa di incompiuto.
Negli anni ’90 la tua carriera ha vissuto un rallentamento. Cosa è successo?
È stato burnout. Lavoravo a un ritmo industriale — tre o quattro testate al mese, dormendo pochissimo. Pensavo che se non avessi costantemente superato le aspettative, avrei perso il mio posto. Alla fine ho perso la gioia.
La svolta è arrivata quando ho capito cosa avevo smarrito: il divertimento, la collaborazione, l’energia creativa. Mi sono ricostruito partendo da quella consapevolezza. Ho rallentato. Ho scelto progetti in base alla passione, non al volume.
Quella decisione ha salvato la mia carriera e il mio amore per i fumetti. E continua a guidarmi ancora oggi.
Tra i tuoi lavori Marvel, quale ti ha dato più soddisfazione artistica o personale?
È difficile scegliere, ma Thanos con Jeff Lemire spicca su tutti. Le sue sceneggiature avevano una profondità emotiva che mi ha spinto visivamente. Mi sono divertito così tanto che abbiamo poi collaborato anche su Berserker Scatenato. Quella chimica creativa è stata estremamente appagante.
Hai mai proposto idee narrative o il tuo ruolo era esclusivamente legato alla parte grafica?
Mi sono sempre concentrato sull’arte. Così come non vorrei che uno sceneggiatore mi dicesse come disegnare, non mi permetterei mai di dirgli come scrivere. La mia responsabilità era lo storytelling visivo, ed era più che sufficiente per me.
Quando hai iniziato, immaginavi che i creatori brasiliani sarebbero diventati così presenti nel fumetto mainstream?
Non so per gli altri, ma io ho sempre saputo che ce l’avrei fatta. Fin dalle mie prime fanzine in Brasile avevo una certezza assoluta. Può sembrare ingenuo, ma non ho mai avuto dubbi, quella convinzione mi ha sostenuto in ogni momento.
Spesso si fanno paragoni tra artisti brasiliani e italiani. Da cosa nasce la forza di queste scuole?
Forse dal cibo! (ride)
Scherzi a parte, il talento è ovunque. Rimango costantemente stupito quando scopro artisti di paesi diversi. La scuola italiana è straordinaria. Alla fine si tratta di passione, tradizione e rispetto per il mestiere.
Quale sceneggiatore ti ha arricchito di più professionalmente e con chi ti sei divertito di più?
Ognuno mi ha arricchito in modo diverso. Bruce Jones mi ha insegnato la precisione narrativa. Warren Ellis mi ha trasmesso ritmo e spigolosità. Ed Brubaker ha portato tensione noir. Ogni collaborazione mi ha formato. Sono grato a tutti loro.
Com’è stato il passaggio ai progetti indipendenti dopo oltre vent’anni in Marvel?
Era il momento. Avevo fatto tutto ciò che desideravo nel fumetto supereroistico mainstream. Avevo bisogno di qualcosa di personale.
È stata la decisione migliore della mia vita. Vincere un Eisner Award e un Ringo Award ha confermato che ero sulla strada giusta. Avevo bisogno di proprietà creativa e nuove sfide e non me ne sono mai pentito.
Puoi parlarci di Ultimate Oz Universe e della possibilità che venga pubblicato in Italia?
Spero davvero che arrivi in Italia. Siamo già al secondo volume e stiamo lavorando verso un terzo. È un progetto estremamente impegnativo e gratificante. La serie cambia costantemente ambientazioni e toni, costringendomi ad adattarmi e innovare. Mi tiene mentalmente affilato.
A proposito di Ultimate Oz Universe e del dibattito sull’IA, qual è la tua posizione attuale?
Ho già affrontato pubblicamente le accuse e chiarito la mia posizione all’epoca [Mike Deodato Jr. è stato accusato di aver realizzato delle tavole con l’Intelligenza Artificiale, ndr].
A questo punto preferisco non tornare sull’argomento. Il mio focus è sul lavoro in sé: narrazione e artigianato.
Sei stato co-creatore di Riri Williams. Cosa hai provato vedendola prendere vita sullo schermo?
Quando ne ho parlato la prima volta, i miei sentimenti erano contrastanti perché non avevo ancora ricevuto il riconoscimento economico che ritenevo adeguato.
Da allora, Marvel Comics mi ha contattato e abbiamo risolto tutto in modo professionale. Vedere un personaggio che hai contribuito a creare raggiungere milioni di persone è potente. C’è orgoglio nel sapere che qualcosa nato come linee su una pagina possa crescere oltre essa.
Che impatto hanno avuto cinema e televisione sui fumetti?
Decisamente positivo, fumetto e cinema si completano naturalmente. Il materiale supereroistico è intrinsecamente cinematografico. L’uso crescente delle proprietà fumettistiche riflette decenni di storytelling solido da parte dei creatori.
Ci è voluto tempo, ma l’industria ha finalmente riconosciuto quanto siano ricchi i fumetti come fonte di storie. Quando realizzati bene, gli adattamenti amplificano l’interesse verso il medium originale.
C’è un progetto dei sogni che vorresti ancora realizzare?
Ce ne sono molti, ma uno che mi viene subito in mente è un adattamento di Tarzan. La giungla, la fisicità, l’atmosfera primordiale: visivamente offre possibilità enormi. È un personaggio mitico che invita a uno storytelling audace, e mi piacerebbe un giorno portare la mia visione in quel mondo.
Speriamo allora di vedere anche questo sogno realizzato. Ringraziamo Mr. Deodato per la grande disponibilità che ha avuto nei nostri nostri confronti e ci auguriamo di vederlo presto nuovamente in Italia.
Mike Deodato Jr.
Mike Deodato Jr. è uno dei disegnatori più riconoscibili e influenti del fumetto mainstream contemporaneo, un autore capace di lasciare un’impronta visiva potente su alcuni dei personaggi più iconici della cultura pop. Nel corso della sua carriera ha collaborato con le principali case editrici internazionali, contribuendo a definire l’identità grafica di numerose serie di primo piano.
Per Dark Horse Comics ha lavorato su titoli come Star Wars e Xena: Warrior Princess, mentre per DC Comics ha illustrato personaggi simbolo quali Batgirl, Batman e Wonder Woman. Il suo percorso con Marvel Comics è altrettanto significativo, avendo firmato tavole per serie dedicate a Spider-Man, Captain America, Avengers, Hulk e X-Men.
Tra i progetti più rilevanti della sua carriera recente spicca la serie dedicata a Thanos, realizzata insieme allo sceneggiatore Jeff Lemire, che ha riscosso grande successo di pubblico e critica. Dalla stessa collaborazione nasce anche Berserker Scatenato, miniserie pubblicata da Dark Horse e distribuita in Italia da BAO Publishing, di cui Deodato è co-creatore oltre che disegnatore.
Con uno stile in continua evoluzione, influenzato dal linguaggio cinematografico e da una costante ricerca espressiva, Deodato si è affermato come uno degli interpreti più autorevoli e riconoscibili del fumetto internazionale.
